Moda e arte colidem no New House of Schiaparelli Show da V&A em Londres

LONDRES — Assim como os jovens amantes, a moda e a arte são atraídas uma pela outra, mas o romance desaparece rapidamente porque são muito diferentes. A arte é cerebral e deve durar, enquanto a moda é comercial, sazonal e fundamentalmente inconstante.

A rara exceção foi Elsa Schiaparelli, a designer romana violadora de regras que construiu um negócio que desencadeou artistas surrealistas, incluindo Salvador Dalí, Alberto Giacometti e Jean Cocteau, e trabalhou em estreita colaboração com outros criativos do século XX, incluindo o joalheiro Jean Schlumberger, para ultrapassar os limites da moda.

O Victoria & Albert Museum está voltando os holofotes para Schiaparelli e para aquele momento excepcional da história em que a arte e a moda colidiram para criar algo novo.

Mudando o Paradigma

“Schiaparelli: Fashion Becomes Art”, que abre no sábado e vai até 8 de novembro, é a primeira exposição do Reino Unido dedicada à casa, sua fundadora e como ela foi capaz de mudar o paradigma da moda nos anos difíceis e em estado de choque que se seguiram à Primeira Guerra Mundial, e romper a relação aconchegante entre moda e beleza.

A mostra também retrata o difícil período entre guerras na Europa através dos designs de Schiaparelli, uma aristocrata rica, amante da arte e da ciência, e do trabalho original de seus amigos artistas e fotógrafos.

“Elsa Schiaparelli esteve no centro de uma constelação de criativos e foi uma protagonista fundamental do movimento surrealista”, disse Sonnet Stanfill, curador sénior de moda do V&A, que trabalha no desfile há dois anos e meio.

Stanfill disse que uma nova pesquisa da V&A mostra que Schiaparelli “não estava simplesmente se apropriando de imagens surrealistas e colando-as em suas roupas. Ela estava integrada aos artistas, e eles referenciavam seu salão de alta costura em Paris como o coração pulsante de seu movimento. Em qualquer dia, seu escritório via um fluxo constante dos maiores criativos da Paris dos anos 1930”.

O vestido esqueleto bordado com ossos da caixa torácica nas costas e na frente é um excelente exemplo da relação íntima – e frutífera – que Schiaparelli teve com seus amigos artistas.

O vestido de seda preto de 1938 pertence ao V&A e é o único exemplo sobrevivente conhecido do estilo Skeleton.

Tem “ossos” costurados nas costas e na frente “quase como se as entranhas do usuário tivessem saído”, disse Stanfill. Ao lado do vestido da exposição estão esboços de Dalí de três esqueletos femininos em diferentes poses da moda, com uma nota na parte inferior dizendo o quanto ele gosta da ideia dos “ossos” ficarem do lado de fora.

“Olhando para o vestido, os esboços e a nota, você tem a sensação de que inserimos no meio de uma conversa entre o estilista e o artista, e há um fluxo de informações indo e voltando”, disse Stanfill.

Uma conversa semelhante está acontecendo em torno do vestido Lobster, que Schiaparelli co-criou com Dalí – a silhueta dela, a pintura dele. Segundo Stanfill, a colaboração deu a Dalí a ideia do telefone lagosta, que ele criou um ano depois. Os dois são exibidos lado a lado no show.

Outras colaborações de Schiaparelli-Dalí incluem um vestido Tears de 1938, com imagens de tiras de tecido violentamente rasgadas, e um chapéu que lembra um sapato virado de cabeça para baixo. Que crianças malucas eles eram.

Há mais de 400 objetos em exibição na exposição na Sainsbury Gallery do V&A. Inclui 100 conjuntos de moda e 50 obras de arte – de Pablo Picasso, Jean Cocteau, Man Ray e Eileen Agar – além de acessórios, joias, pinturas, fotografias, móveis, perfumes e material de arquivo. O que é mais impressionante na exposição é como seus designs permanecem modernos e usáveis.

Schiaparelli não estava apenas trabalhando ao lado dos artistas – ela estava colocando em ação suas ideias alimentadas por sonhos, adicionando designs trompe-l’oeil às suas charmosas malhas e jaquetas; abrindo zíperes utilitários em vestidos de noite justos e transformando o humilde botão em um tema de conversa – acrobatas voadoras para uma jaqueta bordada ou esculturas douradas de Giacometti para um casaco.

Ela também quebrou outras regras, trabalhando com têxteis alternativos, como celofane e vidro tecido, e desenvolvendo métodos para impermeabilizar seus ternos de tweed. Ela também desenhou roupas de praia femininas, costurando copas de sutiã na parte interna de trajes de banho e roupas para esqui e esportes ativos. Na verdade, ela começou sua carreira na moda desenhando roupas esportivas em vez de alta costura.

Suas estampas eram inovadoras e também autopromocionais. Um lenço no início do programa apresenta uma colagem de artigos de jornais com manchetes sobre ela, num golpe de mestre de autopromoção que ocorreu décadas antes de Andy Warhol começar a falar sobre a natureza da fama.

“Ela criou roupas um pouco desobedientes e não necessariamente preocupadas em criar glamour convencional”, disse Stanfill.

Criando uma imagem

O atual diretor criativo da Schiaparelli, Daniel Roseberry – cujos designs dramáticos usados ​​por uma série de celebridades, incluindo Ariana Grande e Dua Lipa, aparecem na sala final do show – disse que embora Schiaparelli possa ter quebrado as regras, ela também era uma criadora de imagens.

Seu trabalho “não era sobre reimaginar a silhueta. Era sobre fazer imagens. Há algo muito pré-social, muito pré-digital em seu trabalho. Chamava muito a atenção em uma época em que as pessoas estavam costurando e criando roupas tranquilas e suaves”, disse ele.

Roseberry apontou para uma sala do desfile repleta de jaquetas personalizadas enfeitadas ou coloridas, cada uma em seu estojo e exibida como uma joia preciosa.

Um preto tem gola redonda, botões grossos e bordados dourados em seus grandes bolsos “cash and carry”. Há também duas jaquetas bordadas em rosa brilhante e uma preta com lantejoulas prateadas dispostas em forma de grupos musculares no peito.

“Todas essas jaquetas foram feitas para serem vistas em uma mesa de jantar com o bordado logo acima da cintura”, disse Roseberry. “Eles eram como o canto de uma sereia em um restaurante chamando você do outro lado da sala para se envolver com quem estava usando. Há uma qualidade de colírio para os olhos em seu trabalho, que era tão diferente do de seus colegas.”

Schiaparelli e Coco Chanel – que também quebrava as regras – eram rivais, embora não precisassem ser, segundo Stanfill.

“Se você pegar um vestido Chanel prototípico da década de 1930 e justapô-lo com um Schiaparelli por excelência, não acho que confundiria os dois. Eles tinham estética e clientes próprios, e não acho que competissem entre si”, disse ela.

Stanfill acrescentou que as duas mulheres começaram pequenas, com Schiaparelli fazendo suéteres trompe-l’oeil e Chanel fazendo chapéus. “Ambos se expandiram e eram bastante hábeis em fazer roupas que fossem usáveis, confortáveis ​​e elegantes”, disse ela.

Ambas as mulheres também foram dedicadas e disciplinadas.

A atriz Marisa Berenson, neta de Schiaparelli, lembrou que “gostava de (Yves) Saint Laurent e (Cristobal) Balenciaga. Ela se vestia de maneira muito clássica, de alfaiataria e preto, exceto nas noites em que se trocava todas as noites para jantar”.

Berenson, que morou com a avó em determinado momento na Paris dos anos 1970, disse que mesmo que Schiaparelli jantasse sozinha, em seu sofá, em frente à televisão, “ela vestiria esses lindos quimonos antigos que comprou na China ao longo dos anos. Ela descia para jantar com o cabelo preso, coberta com esses colares incríveis e usando um quimono. Depois ela se sentava em frente à televisão, sozinha, e jantava”.

Schiaparelli desaprovava o traje fácil e gratuito de Berenson dos anos 1970. “Ela foi muito severa e não aprovou que eu saísse vestido daquele jeito. Ela achou isso absolutamente escandaloso”, acrescentou Berenson.

O rigor, a criatividade e a abordagem disruptiva do estilo de Schiaparelli continuam vivos.

Delphine Bellini, CEO da Schiaparelli, que agora é propriedade de Diego Della Valle e sua família, disse que a exposição “não é sobre nostalgia, mas sobre continuidade. Reviver Schiaparelli nunca significou reconstruir o passado; significou provar que a visão radical de Elsa ainda pertence ao presente. Na Schiaparelli, não preservamos um legado, nós o ativamos, como uma força cultural e artística que continua a desafiar e inspirar nosso tempo”.

Roseberry disse que adora a liberdade que acompanha o projeto de uma casa – e insistiu que nunca lhe faltam ideias. “Não estamos limitados a uma silhueta, a uma história de cor ou a um material como outras marcas, mas você sabe que algo é um Schiaparelli desde o momento em que passa por aqui”, disse ele.

Ele não é o único que mantém a chama viva. Esta semana, a Harrods planeja lançar uma série de instalações de janelas inspiradas em um dos emblemas mais conhecidos de Schiaparelli: o buraco da fechadura.

Grandes telas em forma de fechadura transformarão as vitrines da loja em “portais de descoberta”, com os espectadores podendo ver imagens de “Anglomaniac”, um livro recém-publicado que mostra a influência de Schiaparelli no trabalho de artistas britânicos.

Publicado pela Skira e editado por Thierry‑Maxime Loriot, “Anglomaniac” destaca criativos britânicos cujo trabalho ressoa com o de Roseberry e da casa.