Como muitos de nós, Elizabeth Neel tem enfrentado uma “crise de fé”. “O que estamos fazendo e por que estamos fazendo isso?” ela pergunta.
Para Neel, essa questão – e o seu movimento contínuo em direção a uma resposta – reflete-se através da pintura. Sua mais nova exposição de trabalho, “In the Guts of the Living”, oferece uma exploração de como a informação é transferida e transformada. A mostra estará em exibição até o início de abril na loja principal da Jack Shainman Gallery em Nova York.
E que lugar melhor para pensar sobre as formas como a interioridade muda ao longo do tempo do que dentro de um antigo banco? Ao contrário dos espaços cúbicos brancos de muitas galerias, a localização de Jack Shainman na Lafayette Street ocupa um antigo salão de banco Beaux-Arts dentro do histórico edifício Clock Tower. A sala de exposição principal apresenta um teto alto e detalhes arquitetônicos de mármore ornamentados que antecedem sua identidade como galeria – remanescentes que Neel convida para seu trabalho.
“Meu interesse pela história é muito atendido por este espaço”, diz ela.
Vista da instalação da exposição da galeria “In the Guts of the Living” de Elizabeth Neel em Jack Shainman.
© Elizabeth Neel. Cortesia do artista e da Jack Shainman Gallery, Nova York. Foto de : Dan Bradica Studio
A antiga abóbada da sala, colocada lateralmente, inspirou a criação de um tríptico, que se enquadra perfeitamente no enquadramento da moldura arquitetónica. Outra pintura próxima, pendurada ao lado da abóbada, espelha sutilmente as cores e as marcas abstratas dos veios do mármore.
“O ritmo do espaço histórico meio que brinca com o ritmo das pinturas e vice-versa”, diz ela. Embora o posicionamento do tríptico atraia o olhar do espectador para cima, “há tantas linhas de olhos aqui que acabou funcionando muito bem”.
O título de seu show, “In the Guts of the Living”, foi extraído do poema de WH Auden de 1939, “In Memory of WB Yeats”. O poema explora as formas como o conhecimento é transmitido e transformado por meio do corpo e da experiência vivida. A peça lembrou a Neel o que seu próprio trabalho estava interrogando.
“Tem muito a ver com a dificuldade das circunstâncias contemporâneas no mundo”, diz Neel. “Como nos relacionamos uns com os outros, como nos relacionamos com os objetos e como navegamos no tempo que passamos com marcas pessoais?” ela acrescenta. “Estamos tentando descobrir a ansiedade da influência, o que não é algo novo na história, mas é muito diferente neste momento devido à forma e à velocidade com que as informações são compartilhadas”.
Neel convida os visitantes a passar um pouco mais de tempo com suas pinturas. Bancos colocados perto de várias obras, expostos em paredes temporárias que quebram o espaço aberto, foram encomendados como um convite íntimo para os visitantes se sentarem com eles.
“Depois que faço o trabalho, há um diálogo entre você e (a peça). Então, o que quer que eu pense sobre isso ou o que quer que eu pense quando estou fazendo, quero despertar essa sensibilidade dentro de uma pessoa. Mas muitas vezes eles trazem toda a sua experiência para isso – sua compreensão da arte.”
As pinturas apresentam marcas abstratas de Neel, representadas em uma paleta de cores consistente: verde oliva, vermelho baga e mogno, um amarelo dourado com toques de água e azuis mais profundos. Ela pretendia criar uma sensação de “leveza” nas obras, com um movimento sinuoso que surgia instintivamente.
“Tenho uma espécie de léxico e vocabulário para fazer marcas”, diz Neel. “Você tem essas texturas incrivelmente lindas e para mim parecia que deveria haver uma manutenção da espontaneidade que não parecesse forçada. O que é sempre um objetivo no meu trabalho”, acrescenta ela. “É claro que tem que haver escolhas… mas há fatores que não são controláveis, e então você tem que responder a esses fatores.”
A maioria das pinturas expostas foi criada em seu estúdio no Brooklyn, com sua memória do espaço expositivo influenciando as obras de maneira sutil, revelada por meio da instalação.
Uma série de pequenas obras em papel ocupa um corredor que liga a sala de exposição principal a uma sala adjacente. Estes foram criados na casa de sua infância em Vermont, onde ela começou a pintar com acrílico ao lado de sua avó, a falecida retratista Alice Neel. Mais tarde, já adulta, ela foi aceita no programa MFA em Columbia com trabalhos semelhantes antes de focar em telas de maior escala.
Semelhante ao ornamentado hall do banco, a sala lateral menor influenciou a obra, com suas paredes brancas curvas e ausência de estímulos visuais de design.
“Achei que era importante fazer trabalhos que abordassem esse espaço de maneira especificamente diferente”, diz ela. “Mas também para nos aprofundarmos no conceito de como a remoção da cor muda ostensivamente a natureza ou a ressonância do trabalho.”
O espaço apresenta uma série de pinturas “monocromáticas”, sendo a primeira vez que Neel trabalha com apenas uma cor (embora ela seja rápida em apontar que o preto visível é na verdade um acúmulo de muitos tons diferentes).
Vista da instalação da exposição da galeria “In the Guts of the Living” de Elizabeth Neel em Jack Shainman.
© Elizabeth Neel. Cortesia do artista e da Jack Shainman Gallery, Nova York. Foto de : Dan Bradica Studio
“Meu pai era radiologista, então eu cresci com todas essas ideias esquemáticas abstratas em preto e branco sobre o que formaria uma imagem”, diz ela. “E acho que isso alimentou minha sensibilidade sobre como o conhecimento pode ser transferido por meio da abstração. Você precisa conhecer esse idioma para traduzi-lo, mas para a maioria das pessoas, é apenas uma imagem. Portanto, esse fator de curiosidade e incapacidade de ler uma narrativa na íntegra sempre foi interessante para mim. São muitas nuvens de significado que se cruzam.”
As pinturas funcionam como uma espécie de radiografia do processo de luto de Neel, criado após a perda do sogro. Embora essas consequências emocionais tenham guiado sua criação, esse contexto não está prontamente disponível para os espectadores. Os títulos — “Outubro #1”, “Outubro #2” etc. — documentam o momento de sua gênese, mas são abstratos.
“Para mim, um título geralmente é potencial para outra forma de informação ser adicionada a uma imagem”, diz ela. “Você pode levar isso em consideração – você não precisa levar isso em consideração. O mais importante é estar pessoalmente e vivenciar isso. Quer você goste ou não, você tem alguma resposta para isso. Isso o lembra de algo que o faz pensar sobre si mesmo, ou de algo que você viu.
“Todo esse ciclo é vivo”, acrescenta Neel. “Não é uma rolagem da destruição.”
